“晏本立︱稽古澄心当代中国画名家笔墨研究观摩展”

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展览会的前言

纵观20世纪中国美术史，掀起了古来流传的关于改革创新、继承改良的思潮和争论，中国画家不断寻找中国画未来的出路和方向。 是将西洋绘画作为镜鉴，还是将古老的中国画体系打入？ 目前，现代画家在作品中提出了不同的答案，现代画坛呈现百花齐放、百家争鸣的局面。 但是，无论有多少疑问，笔墨作为中国画的独特表现形式，脱离笔墨体系的作品都称不上中国画。

中国画中的笔墨有比较稳定的规律和规范，这些规律和规范的确立有助于画家进入这个无与伦比的探索空之间的艺术世界。 但是，笔墨系统的规律和规范，绝不是画家墨守成规，而是要允许、鼓励他们有探索和创新，自古以来就能开创今天。 通过绘画史，开拓新的一面成为大家的人，必定会前贤血战古人，参加时代精神，艺术自我发展。 借用古开今的出发点，是开现借古，意味着站在现在，不断开拓、实验，并作为参照历史、对话、挑战、超越的对象，构成扩张与超越的关系。

此次展览以排练澄心现代中国画名家笔墨研究展览为名称，提出笔墨作为学术课题，让当代主流艺术名家展示他们的艺术风格和个性创造，引起学术界的关注，重新研究笔墨风格的意义及其价值。 我相信参展的这些个性写作风格的画家们对写作的各自探索成果和他们对这个问题的思考，不仅可以为人们提供启发和借鉴，也可以深刻引导人们对画界写作风格的讨论。

此次展览以在线艺术展的方式展出，参加展览发表的有雅昌艺术网、艺术顶尖、本艺术、腾讯艺术等近100家主要艺术媒体和门户，流量巨大，综合浏览点击量预计达上亿次，一次参展、

组织机构

主办单位:时代的丹青文化媒体

学术主持:王璋

学术顾问:赵成民

展标题字:刘曦林

晏本立

参展画家

晏本立、字立本、号上德真人、江苏丰县人现为中国大民书画院艺术顾问、新中国国画艺术研究院副院长、中国画艺委主任、中国画家协会副秘书长、东方红中国画研究会执行主席、全国晏子文化研究会会长、徐州市美术家协会顾问、国家一级美术师。

长期从事美术创作，擅长人物描写、山水花鸟兼职，国内外报纸、杂志发表作品数百张。

2005年参加中国美协首届创作高研班，国画作品多次入选中国美术家协会主办的全国大型美展，多次获奖。

2006年首先提出中国画新六法，长篇论文在《美术导刊》、《现代美术》等多家媒体上发表，引起强烈反响。 作品被《20世纪国际美术精品荟萃》、百年经典《中国美术全集》、《世界美术集》等20多部大型画册收录，并流传于东南亚、欧洲、美国等几十个国家和地区，被各地美术馆、博物馆、文化馆、知名公司家收藏 其作品画风独特、品位高，备受国内外书画收藏家的关注。

年被评为21世纪最具收藏价值和上升潜力的中国百位山水画家之一。

年1月天津人民美术出版社出版了中国现代名家画集大红袍画集。

年10月在广州举办个人画展。

年中国画的作品《春山旭日》被北京天安门管委会收藏。

年被聘为香港《艺术家与公司杂志社》的名誉社长。

欣赏作品

关于谢赫法的想法和新六法论

作者:晏本立

华夏史，上下八千年。 我们的祖先可以从雕石、雕壁上在原始陶器上画图案，模仿日月星云、鸟和兽，追寻中国画的起源。 古老的东方民族以独特的审美观和思维方法，用自己的大聪明大智慧创造着中华民族灿烂的文明。 1949年在湖南长沙楚墓出土的帕劳画《人物御龙图》表明，中国画在战国时期已经达到相当高的水平，在中国画的表现中构筑了与以线为中心的形式相适应的优势。

几千年来，中国画持续快速发展。 南齐主厨首创先河，以27位当时闻名的画家为6品，在《古作品录序》中提出了气度生动、骨法以笔、应物象形、随类赋彩、经营位置传诵的六法论。 千百年来一直作为中国画论的经典名句，支撑着历史画坛，已经成为创作和批评家的必修课，影响之大直到今天。 南齐雪夫的六法无疑是中国画坛的财富，滋养了历代巨匠、无数画家和理论家。 说到六法，我感到自豪和自豪，但六法的生命力绝不仅仅是过去。 她需要继续，需要进步更新，她需要有一张能够适应现代中国特色的新面孔，展示未来的中国画家。 重新审视莎士比亚六法，研究他的历史价值，继续保存与当今中国画艺术相协调的部分，梳理不和谐的部分，应该是当代理论家和画家的共同责任。 进一步思考六法，不难发现，六法论中着眼尊照客观现实，表达客观形象的应物象形、随类赋彩、转录临摹诸法，与当今重视创造性的时代已经产生了诸多摩擦，从次要地位退居次要地位。 另外，尽管笔法和经营位置两种方法各有解释，但模糊或旁敲侧击，最终也看不到血，无法明确给出或明示。 关于气韵生动的方法，只有意义，更是误入歧途，不远的将来，正如宋代大家郭若虚《绘画见闻志》所述，六法精论是千古不可动摇的，但骨法可以用以下五法来学习，其气韵必由生而知。

云:沉默的神会，我不知道，但是然也。 描绘了必气韵、方号世珍，虽然不成熟却巧妙的思考，停止了和众工的事情，说的不是画，而是画。 但是，学者比较简单，初级，不太适应现代艺术创作和欣赏的要求，有时也会成为阻碍艺术创作迅速发展的障碍。 不是学者。 大象无形、模糊、高迈、不可预测，有些人生来就认识，但却是廖若晨星，止步于少数大智大慧者，许多画家学不到。 这就是当今理论界面对现代艺术，道理死板的根本所在。 正如理论家陈履生先生在《中国美术与世界艺术的去向》中所述，在现代美术理论研究的现实中，面临着许多纷繁的艺术现象，表现出严重滞后的问题。 更严重的是原有的美术理论，也产生了许多复杂的现代现象难以解释和难以解决的矛盾，但在最需要批判的时论中，批判和失语变形，使我们的美术理论和批判变得非常不自然的历史潮流滔滔不绝，顺者昌顺，顺者昌顺。 21世纪的今天，勤劳聪明的中华民族，顺应历史潮流，团结统一，开拓进取，百业万兴。

中国红、中国结、中国印、中国画等一系列发自中国人内心的中国名字，标志着中华民族的重新崛起，所有其他国家都为之自豪。 我是中国人，我画中国画。 中国画家已经高举中国旗帜，不受任何绝境、废纸论等歪理邪说的干扰。 许多新时期成长起来的优秀中国画家都长了中华民族的脊梁。 随着中国画艺术的提高已经具备了引起外部艺术家关注的软实力，中国画艺术对现代和未来充满了希望。 新六法的提出，是大量研究和见证了中国现代艺术不断更新和中国画艺术理论严重落后的实际情况而提出的新的艺术理论构想。 新六法并不否认进一步反对莎士比亚六法，而是根据莎士比亚六法的理论进行整理更新，为活血充电，使之更具时代活力，让艺术家可以活用于现代艺术创造的更具中国特色的中国画艺术理论。 中国画的新六法，气象活跃，适合形式，适宜用笔，用金定位，随心所欲地上色，接下来。 新六法分论如下。

一、气象灵动气象灵动是指对艺术作品的基本要求，也是最高标准，气韵生动的同时又分门别类，气韵生动升华的形象再现。

1、气象有形、有气、有象、有语言符号、有图式结构，大一挥与小笔头厾、、用心、用心自然不同，所见笔迹与天壤之别，二者皆有 出现点间气象。

2、气象初级者由具象、形象合成，具象:对应物的象形，重景缺乏意义，创作初级阶段多见，多以形、比、构为准，注重客观对象的具体描绘； 形象:画家心中的形象，在尊重客观实像的同时，根据客观实像加工成符合画家创作意图的形象。

3、气象高级者:除了具象、形象(心象)之外还有三象，所看到的画面形象由具象、形象、漫画、形象、抽象五格融合而成，是高级灵魂形象。 漫象(无意之间，法无法之间，通晓艺理、技法，熟练，通过适应性变形加强特征，自然洒脱，无意偶然得到的大象。 情象(情逼真，心向两极，或张驰、虚与实，合心合理，其笔势迅速，笔势已不可收的雄放之象(东坡赞叹吴道子画论)。 抽象(不像具象，用笔非常的笔，用墨非常的墨，用颜色非常的墨，非常的颜色，东西忘记了，墨的彩融和，用心，自由地撒。 似是而非的东西，从画面上看，玄机盎然，快意天然，但看到大美，什么也看不见，另一个人闹事，赞不绝口。

画家如果能五象合一，作品自然气象生动。 而且，充满气韵生动活泼。 气象的灵魂和气韵生动不同的地方是气象真实、虚中实现； 气韵虚，实中虚。 生中有灵，灵中有生，灵在生上，生在灵里，生化灵、灵变精，然后看像，方是气象。 气韵生动表现的艺术家笔法现象。 只是混沌朦胧感性自觉过程中的理论，气象清晰、理性、灵魂运作的真挚洞察，而气韵是不值得学习的。 天生知道这件事的，是天授(董其昌画禅室随笔，画决定文)。

另外，六法的难度意味着气韵最重要，就在笔尖上，画外妙。 例如，音栖的弦、烟变成雾霭，天风凉飕飕，水波潺潺，绕在身体周围，大小不小。 读万卷书，庶几心会(清黄芪《二十四画品》之句(等，很多关于气韵的生动见解留存于感，不成为可见光气象灵魂的气象和气韵的性状结合而得之韵，是为了气韵，气韵脱离了性状而成为气象的 气韵就像工作一样，就像变化一样，就像修理一样，就像动词的含义一样，气象就像静静的、停留的、有的、有的、有的、有的一样 如果气象恢复原样，大巧拙，大象看到了身影，会听到很大的声音。 例如，重生庐山真面，菩萨为青春美女，佛爷为清晰老翁，形为韵，韵为画像，风神不在物，安祥和谐，物被遗忘，婴儿可携！ 气象灵动和气韵生动的气象灵动是实际形状的实像，是实际灵魂的实际情况。 气韵生动，但虚形虚象，虚灵虚情。 气象，超越高贵而生动地看山不是山，看水不是水混乱的无法无天的境界，而是达到了看山、看山、看水、看水难得糊涂的真实境界，达到了清晰的境界。 穿着宽松的衣服，不久就不再悔恨，以憔悴的样子生动地寻找着她。 突然回头一看，他确实被灯光熄灭的样子打动了，在南齐主厨的《古画录》中，将此前为人所知的画家分为六品二十七人，评价他为中国第一位画家。 但是，当时备受好评的画家的作品只流传了一点点，现在无从知晓。 后厨更是辈出巨匠，被评价为众多画家。 这个气象灵动，是今天的中国艺术家通过中国笔墨传达的中华八千年文明智慧之灵，应该是优秀的中华民族汇聚世界人类艺术大成、汇聚道路之灵。 气象灵动应作为现代艺术质量评价的一个标准。

二、适意造型适意造型是指艺术家在研究、理解和反复描绘长时间表现出的客观物像的过程中凝练概括的结果，是艺术家主观、能动的描绘不断升华自然后的主观和客观巧妙组合，应物象形成长成熟， 翻开中国美术史、7000年前的原始岩石刻图，可以看到，沿着新石器时代的老官台、半坡、仰韶、红山及马家窑彩陶中最典型的人面鱼纹盆、舞纹盆到夏商周的雕刻、玉器、青铜器，甚至秦汉的帛画、服装、肖像石等， 呈现出从写实到写实、从具象到抽象迅速发展的语境，包含了艺术家和大师们理想造型的所有理想要素。 汉唐以后，由于中国封建社会的长期统治，中国艺术的迅速发展一直处于相对保守与大胆创新之间的矛盾对立时代。 在此期间，工具材料的变更、宣纸的发明、意大利画的出现，逐渐产生了实用美术与纯粹美术鉴赏的离别，就在纯粹的中国画人物——山水与花鸟三兄弟离别之前。 细数一下活跃在中国画坛的当代领袖，都是经过符合自己创作意图的符号化加工后的再生艺术形象。 这种现象勾结中国艺术的各个门类，在意大利画、漫画、装饰画中表现得更为明显。 作为纯中国绘画的人物、山水、花鸟也不例外。 现代中国画还受到了西方各流派的影响。

山水、花鸟、人物的进步依次排列，一个比一个走得远，脱离自然形象，走向艺术家的合适的形状。 近代山水大师黄宾虹所写的作品，足以证明这些事情。 他概括地综合加工提炼自然山水现象，吸取其精华，以纯正的笔墨形式，将点点的水面造型元素直接应用于山水画，重组为意中山水，堪称近代典范。 更有李可染、陆严少、傅抱石、潘天寿等山水大师的贴切造型，将中国山水画推向人类文思逸致的崇高境界，山水画行业在这些大师的引领下出现了现代所没有的一时新局面。 花鸟、人物也各有代表，例如吴昌硕、齐白石、任伯年、徐悲鸿、蒋兆和等，他们的作品都有自己独特的气象。 但是，中国绘画行业合适的造型有近代登场的漫画、装饰画、岩彩画、抽象画。 另一方面，莎士比亚的《古画品录》中只列举了在他那个时代的画家的作品中可以看到的现象。 应象形的要求，只是莎士比亚对古代画家艺术品评价标准的一个词，他不会考虑适当造型的绘画要求。 关于形状相似的事，请参照与孩子的临别。 这是宋代文学家苏东坡提出的论画标准，现已被现代画家用作口头禅。 此外，夸张、改变意义、装饰、浪漫、形象、抽象。 大多数情况下，都是无意中遵循着与形式相符的艺术轨迹。 任何有理想有见识的艺术家都在寻找自己的语言符号。 似乎太俗了，不像欺骗世人，似是而非，精彩似是而非，是齐白石大师在古代绘画理论研究和自身艺术实践中的体会。 当今画家、艺术家都在客观物象转化为艺术形象方面，做出不同程度的努力探索。 这里已经不能满足应物象形的画法和艺术家了。 象形可以作为开始学习绘画时最基础的要求，也可以作为艺术家登上大厅的必由之路。 即使不接受象形的基础训练，也不可能有使客观事物适合象形的成功创作。 换言之，只有有象形的坚实基础，才能合理准确的象形，创造出高水平的艺术作品。 因此，适合象形应该是现代画家和艺术家进行艺术创作的主流。

三、酌情动笔是画家根据创作需要，为实现理想画面效果而选择的合理合理合理的动笔方法，是骨法动笔的进步，是画家感情的表现，是兴盛时写实的表现。 骨法不能满足画家的需要，画家的性格喷出脱离低级趣味，艺术家随心所欲，自由发挥，笔法自然闪现，有法可依，得意忘形，尽情发挥上帝的东西和精品 初级画家画山水要用这座山，画水要用这水，简洁扼要，但骨法要用笔是有道理的。 描绘作为绘画基础的应物象形客观物像的最尖端的是骨法用笔。 莎士比亚六法中的骨法用笔墨养活了许多历代中国画家，但对该法没有一个怀疑。 唐宋以来，到无骨之画、大写意的出现、现代中西合璧、古今道一的心象、形象、抽象艺术的参与，都冲破了骨法用笔的墙壁的重叠。 当艺术家以形象、抽象的绘画形式，快意自然地挺起自己的胸膛时，骨法却用笔无力、无力。 无论现代绘画是细密画、写实、山水、花鸟、人物，骨法用笔都已划一条线，真正支撑艺术作品的用笔做法，是构成相对独立形式美的笔法结构。 肌理、意象、漫象、抽象是不择手段的适宜用笔。 所谓吴代当风，曹衣出水； 中国画十八画有皱褶、擦、点、厕、擒、揉、拖、磨、洒等一系列笔法超越了骨法的笔法界线。 石涛的一笔法潘天寿的笔墨随着时代的发展，李可染的逆光山水，从各自的角度说明了适当动笔的重要性。 没有为了美丽而不能破坏的法则。 这是西方作家歌德的名言，一方面证明了为了美丽，任何规则和程序都可以打破，重新构筑更加美丽的视觉形式。 赵无极的抽象艺术、吴冠中的笔墨等0、刘国松的无笔山水画，以及备受现代画家推崇的黄宾虹的积墨山水等，不仅给人以美的享受，还需要在意什么骨法不骨法呢？ 现代画家们在进行艺术创作时，为了达到理想的画面效果，可以不择手段，颠倒黑白，也可以从无到有，&hellip； &hellip； 你年轻没有什么不可以的。 其性资性社大胆挑战不讨论，迅速发展是理所当然的。 一个工作大致不变。 如果能为了你的作品变得更美就好了。 关于适当使用毛笔，明人解码有一句名言:“越近、越近、越不来，切磋琢磨、琢磨、冶、尽精锐、求益其精锐，一旦尽心打开。” 忘记笔法，调和心与手，不懂事，品味我之间，造化产生的大象。 即情投意合，偶然要画，解开磐礴，摊开纸调墨，纵挥，点笔，一口气写完，已经将骨法扔出九霄云外。 但是，这要适当运用笔法，通于今博古、学贯中西，集中艺术大成者更有效地使用。

四、黄金定位黄金定位是新六法中最关键的方法，可以直接取代谢赫六法中的经营位置。 黄金比例位是指基于黄金比例美学大致提出的最坦率、最恰当的经营位置方法，也称为黄金构成。 ？ ？ ？ ？ 黄金分割是古希腊数学家在进行线段分割时发现的，具有美学价值的法则——长线与短线之比正好等于长线与整条线之比1:1.618。 这是古希腊数学家比达格牵线的发现。 后来被古希腊美学家柏拉图称为黄金分割。 德国美术家被称为黄金分割率，根据这个比率设计的任何图像都能给人以美丽的视觉快感，此后，黄金分割率成为了美术家普遍的美学规律。 这个美学法则不是西方人的发明专利，而是客观世界自古以来就永恒存在的美丽真理。 为什么我们不能经营艺术创作呢？ 中国历代画家在如何经营位置上做了很大的努力，根据道家太极图的构成原理、阴阳说等摆陈布势，合理布局画面，还将自己的成功经验记录在书中传授给后学。 但是，经营位置至今仍是道路，非常道路； 很有名，很有名。 大多笼统地说明了经营上的位置。

经营位置很重要，再细也只是黑大白小，黑大，大小不能等分。 虽然不知道老师们是故意不用黄金分割率还是真的不擅长，但大体上很少有人强调黄金分割在经营位置上的作用，黄金分割率正是现代设计学、现代构成学中作为美的核心理论应用于实践中。 我们为什么不把他用于我们中国画的构图呢？ 我们的绘画构图也是按照黄金比例进行物象定位和笔墨定位，把画面主分别放在黄金比例线的交点和线外，自然会产生视觉美感，不是吗？ 图)构成画面的抽象要素(墨白、虚实、浓淡、干湿、粗细、疏密、大小、多少、点线面等，这些很多矛盾都是按照黄金比例配置在画面上的。 例如，黑白面积大小的比率以1:1.618分布，画面上全部出现的对立关系基于黄金比例定位。 这是自然和谐统一的。 李可染说。 “你要是能在你的画面上统一很多矛盾就好了。 这幅好画是根据黄金比例布置了这许多矛盾。 除此之外，不清楚怎么配置才能产生美丽。 经营混乱，一千多年来吸引着画家们，数百代人都为之着迷。 除了少数画家摆脱了那个魔环成为巨匠之外，许多画家花了一生的努力也只能停留在工匠、艺术家的水平上。 历代画家们也为经营之地充实文案，积累了一点成熟、成功的经验，但没能摆脱东方混沌哲学的手掌，在现在谁也无法摆脱的科技时代的今天，我们再也不能只守着祖上留下的一室半亩地过着贫穷的生活。 毛主席是最伟大的，一辈子都没见过老大哥。 中国画要想得到长足的快速发展，打破一切古老的进程，广泛吸收一切姐妹艺术的长处，重视黄金分割律的研究，采用黄金定位法，取代空洞、虚无的经营位置，似乎是现代画家、艺术家进入艺术殿堂的捷径 在使用黄金定位法决定经营位置时，我们不仅仅局限于线段的分割，还包括浓淡墨块的比率、黑白分布的比率、干湿位置的比率、色彩面积的比率、虚实、疏密、大小等画面上出现的所有对立，注重统一的笔墨现象，以及黄金分割法则的视觉 如果按照黄金比例统一，所看的影像即使没有任何印象，纯粹以笔墨和颜色块的姿态出现，也同样可以享受美丽。 这是抽象美的根本。 无论东方、西方，古代、现代、具象、抽象，都远离黄金比例，偏离黄金比例，难以达到真正的视觉美。

五、随心所欲地上色法随心所欲地上色，但与此不同的是，自然界的颜色千变万化，人们的认知很少。 看红色就是红色，看绿色就是绿色，真幼稚可笑。 世间的事就像围棋一样，一切都在变量中，想开花就不开花。 不插柳成荫，只求事与愿违，歪曲正事而战，这是常有的事。 变坏、因祸得福是常有的事。 艺术家可以根据事实描绘现实，也可以根据印象描绘形象，还可以根据理想描绘理想。 当今社会支配着人。 艺术家不能像政治家那样叱咤风云、颠倒干坤，但在一张纸上涂绿色，也不会被扼杀头脑吧。 人类艺术在科技时代的今天，赢得了越来越自由的快速发展空之间，但我们并不像西方艺术家那样极端的个人主义式的精神病艺术。 中国画家在他的水墨画作品中用点颜色也许不会受到谴责！ 即使错用了，也应该用绿色，但就算错把红色当作绿色用了，也不一定会失去中国画的优势。 当然，也没有必要害怕，说中国画会失去国家特色，不符合祖先的礼仪。 中国画有中国的优势。 她并不总是被限制在文人画的小圈子里。 她发展很快，她的外缘也可以不断扩大。 如果有中国文化观念的话，用中国定制的道具材料画的画都是中国画。

外国人学习中国文化的时候，用中国画的材料画画，应该看作中国画。 中国画要生存，就必须与时俱进。 随心所欲地上色是艺术家成熟的表现，它只是在不同种类上色上的运用，也是出于更美的要求。 画面加一点理想和谐的感情色彩，不要觉得不合理。 如果只是讲道理的话，没有辩证法，就没有受理的限制，就不会画圈圈从你里面出来。 你没出来吗？ 大家都说不遵守规则就不能成为周围的人，但请仔细想想如果遵守规则就只能成为周围的人。 随心所欲地上色也不是瞎编就没线了。 随心所欲的心，是艺术家根据画面的诉求，以大美术、大色调、大视觉的美学为大致内容。 根据色彩学的对象与和谐、呼应与联系等重要的色彩关系原理，进行金黄色块的设置、赏心悦目的相关色彩选择是审美视觉的需要，是高层次的附带色彩，不是凭空涂抹。

关于上色，中国古代画家有很多应用。 可以说，从中国画产生至今，一个画家也不理解赋予色彩。 中国水墨画从一开始就用墨画。 这种墨本身就是中国艺术家喜欢的独造。 唐代李思训、李诏道父子的青绿山水，以及后来中国文人画的写实水墨，是画家喜欢的增添色彩的极端表现。 现代画家一边掌握现代科学的知识，一边享受着人类进步这一高科技成果，自然地使人类万物融会贯通。 没有不能理解的事情了。 青年画家上官超英在《随心所欲地上色》一文中指出:“随心所欲地上色是基于其种类而上色的心理色彩升华过程，是根据画面需要而超时空、超物体像的运用和表现方法，也是你的 关于随心所欲地上色，自古以来历代画家、艺术家已经应用很多，进行了很多讨论，在此不作说明。

六、继往开来作为中国画的第六法。 本来是转移笔调写的扩张、升华、质变，这里引用了广为人知的通俗语言，看起来通俗、实际有意义。 人类的任何事业，要求前进，求快速发展，都离不开这个成语。 中国画虽然属于大千世界人类意识形态行业的艺术门类中，但属于每一片叶子，转录临摹也只是这每一片叶子的一小面。 它只代表艺术的继承，不包括创新。 如果我们今天的艺术只停留在以前传下来的继承上，没有历代艺术家的不断创新，真的快要结束了。 我认为莎士比亚六法中的转录摹本只代表着以前流传下来的继承，没有迅速发展进步的概念。 新六法的应用继续得当。 但是，继所有能够完全代表中国画传达临摹的文案之后，中国画就成为了如何展现她的未来的出发点，在艺术行业，一是如周韶华所说，拓展自然意识，二是强化大写意意境，三是 也就是说，现代画家不拘泥于前人现有的表现主题素材和表现模式，而是放眼自然空之间发现新的美，引发新的情念，创造新的境界，师法艺术创造心灵之源。 现代画家必须强调大写意的意境将艺术的追求转向整体精神和整体气势的大美。 百花齐放一章，万紫千红代一春，人间万象表一意境，具有秦汉美学、诗人浪漫情怀。 原始陶器纹样的神秘性和运动感青铜器纹样的崇高美和放大美，汉代石刻的大精练，众说纷纭。 进而民间剪纸、木雕的朴素、生动等。 另外，只有重视西方现代各流派的奇思妙想，融入中国画中，才能来。 一个好的中国画家，不能是单一的人物画家、山水、花鸟画家，不能只做水墨的游戏，也不能自命为会画油画、水粉、水彩。 读完古今画，读完美术史，只知道河流，了解文艺史，深入研究文艺事，只知道一点江湖，就能清楚地知道万物兴衰的规律，只有及时走入大道，才能讲真话。 即使事情很小，也能清楚地知道。

纸上最终给人一种浅浅的感觉，要精通艺术必须低头。 换言之，不仅仅是各种视觉艺术，还必须知道听觉、感觉等所有姐妹艺术。 除此之外，还必须学习哲学、文学、政治学、经济学、自然科学等中国和西方的下一步艺外功勋，并将其融合，汇合于道路。 然后，搞清楚主要和主要，使技术具有专业性，只要下大力气，一定会成功。 接下来，由于意义重大，我们必须参观、理解、研究、发掘、汲取、转移、继承古代文化、古文物、古书画，历史虚无主义和傲慢不是半边天。 没有古人、没有祖祖辈辈流传下来的东西，我们永远停留在无知的时代，我们只能认识古代、融古、学古、传古、化古的某画家理论修养的高低决定了自己作品内涵的深刻。 在创作实践的各个方面，要多层次吸收各种营养，丰富自己的绘画妙招，不断增加艺术体验、知识教养、道德修养，才能正确展现自己的个性，创作出具有新时代精神、新性状、情趣、意境的艺术珍品。